Это интервью с художником-акварелью Грегори Халили, проведенное Сарой А. Стрикли, впервые появилось в декабрьском выпуске « Artist Artist» за декабрь 2007 года.
В художественной традиции horror vacui (произносится как vack'wee) - это принуждение делать отметки в любом доступном пространстве, заполняя всю поверхность формами, линиями, фигурами и орнаментальными деталями. Хотя их часто относят к искусству аутсайдеров, некоторые утверждают, что принципы «ужасов вакуума» - это те, которые сейчас формируют современный вкус и, соответственно, современный городской пейзаж. Подумайте о рекламных щитах и рекламных объявлениях, занимающих каждый доступный дюйм пространства во многих великих городах мира.
Часто искусство, созданное в этой традиции, выражает одержимость или беспокойство - в конце концов, в его буквальном латинском переводе это боязнь пустого пространства или пустоты - и все же картины Созвездия Григория Халили, которые художник описывает как возникающие из навязчивой идеи ужаса. не несите ни малейшего беспокойства или беспокойства, которые вы могли бы ожидать от работы, столь плотно выполненной. Вместо этого они обладают устойчивой интенсивностью, богатым и праздничным воздухом. Они чтят пространство, в котором они появляются, наслаждаясь роскошью с помощью иглы для вышивания.
Работа Грегори Халили выражает желание вспомнить миры настоящего и миры прошлого, вспомнить, что было, и представить, что может быть - интересный и освежающий вариант беспокойства и беспокойства, которые многие приписывают задней части современной жизни. Учитывая уровень и слои деталей, присутствующих в его пышных и зеленых акварельных картинах, вы можете быть удивлены, обнаружив, что он работает в миниатюрном масштабе: большинство его картин имеют размеры от 1 × 1 до 10 × 12 дюймов. Чтобы в полной мере оценить их, вы должны быть рядом с ними, поднести свой нос к бумаге. Преуспевать. Чем ближе вы подходите к мирам внутри этих картин, тем больше вы наверняка откроете для себя: удивительный трепет цвета или линию, движущуюся с томной текучестью неторопливой пчелы. Работа Халили приглашает к интимному обмену с его зрителями, которому способствует ностальгия по ним. Мы не можем не чувствовать, что мы являемся свидетелями того, что, как мы всегда знали, существовало, но нам никогда не удавалось увидеть это.
Недавно я имел удовольствие поговорить с художником о его жизни и работе всей его жизни. Ниже приводится стенограмма нашего разговора:
Сара Стрикли: Я читала, что вы родились и выросли на Филиппинах. Я хотел бы немного поговорить о том, как ландшафт вашего детства может рассказать о вашей работе, и я могу представить несколько путей в этом разговоре. Возможно, нам следует начать с простых вещей. Вы всегда были художником, даже в детстве? Были ли другие члены семьи вовлечены в искусство? Что вдохновило вас начать рисовать?
Грегори Халили: Искусство, или идея искусства, пришло ко мне в раннем возрасте. У меня все еще есть мой первый выживающий рисунок вертолета, законченный в возрасте двух лет. Рисование стало моим времяпрепровождением. Будучи ребенком, я часто принимал участие в художественных конкурсах в школе, соревнуясь вместе со своими друзьями, которые поощряли меня работать больше, потому что они были намного более талантливы. Художественные материалы были недешевы, поэтому цветные карандаши и акварели студенческого уровня были моим единственным выбором в детстве. Только когда моя семья и я иммигрировали в Соединенные Штаты в июне 1988 года, я столкнулся с различными средами. Конечно, художественные материалы здесь тоже недешевы, но школьная система Соединенных Штатов предоставила несколько отличных материалов для занятий искусством. Мне повезло иметь замечательных учителей рисования и благословил семью, которая поощряла и направляла меня продолжать рисовать. Никто в моей семье не занимается искусством.
Сара Стрикли: Я знаю, что вы учились в Университете искусств в Филадельфии. Как ваше время в университете повлияло или повлияло на вашу работу?
Грегори Халили: Моя семья жила скромной жизнью на Филиппинах. Мы иммигрировали сюда в Соединенные Штаты, потому что мои родители хотели дать мне и моим братьям и сестрам лучшее образование и возможности. Я всегда любил искусство и живопись, поэтому даже перед поступлением в колледж, в старших классах, я часто копировал и воспроизводил шедевры из книг, а иногда я работал с определенными стилями и периодами в музее. У меня была значительная доля художественных проходов через художественные движения и «измы». Эти периоды экспериментов и восхищения были прекрасным временем в моем художественном развитии. Я не только узнал о технике живописи и истории искусства, но и узнал, кем я был как отдельный художник. К тому времени, когда я поступил в Университет искусств, я уже рисовал миниатюры. Мое время в колледже было полезным опытом. Я старался учиться и усваивать столько, сколько смог, не только у своих учителей, но и у одноклассников. Я научился не рисовать и создавать миниатюры, а просто рисовать. Меня учили, что чем больше я решаю проблемы с живописью в больших и традиционных форматах, тем легче становится рисование в малых масштабах.
Сара Стрикли: Когда вы начали рисовать миниатюры, которые напоминают пейзаж вашего детства? Что привело вас в это место в вашей работе?
Грегори Халили: Я родился на другом конце света, я не могу не вспомнить мой старый дом и его воспоминания. Мои детские воспоминания играют важную роль в развитии моего искусства. Рисование пейзажа моего детства было очень медленным творческим процессом. Идея ностальгии возникла у меня в 1997 году во время короткой поездки в мой старый дом на Филиппинах. Мое возвращение зажгло вдохновение, чтобы создать скрытые воспоминания, которые накапливались в моем разуме. Я чувствую, что мое проявление филиппинского пейзажа все еще развивается.
Сара Стрикли: Вы рисуете из пространства памяти и воображения? Если да, то как вы чувствуете, что это влияет на тональные качества ваших картин?
Грегори Халили: Я всегда боролся с тем, как изобразить то, что у меня на сердце и в уме, а то, что проявляется иногда, не то, что я имею в своем воображении. Я в поисках ностальгического качества, которое включает в себя мое внутреннее отражение, посредством монохромного или минимального выбора краски. Меня гораздо больше интересует символическое качество, которое может изображать определенный субъект, а не фактическое представление объекта.
Сара Стрикли: Для других ваших работ - например, для городских пейзажей - вы используете совершенно другую палитру. Не могли бы вы немного рассказать о вашем подходе к этим произведениям?
Грегори Халили: Я до сих пор прекрасно помню, как впервые увидел Нью-Йорк. Как это было великолепно. Мои воспоминания об этом моменте стали основой моей серии о Нью-Йорке и городских пейзажах. Каждая картина начинается с одной фотографии, выбранной из сотен фотографий, которые я сделал за эти годы. Я не воспроизводю фотографическое изображение; Я использую это как источник вдохновения и ссылки. Как и мои пейзажи, я сохраняю свою палитру городских пейзажей теплой и минимальной, вызывая мою любовь и восхищение этим удивительным городом.
Сара Стрикли: Что привлекло тебя к акварели и гуашью? У вас всегда была привязанность к водным средам, или вы развились в нее?
Грегори Халили: Хотя я обучался иным средам, акварель всегда была моей любимой, даже в детстве. Мое время гуашью было коротким, длилось всего несколько лет. Когда я начал рисовать миниатюры, примерно в 8 классе, я создал очень маленьких насекомых и даже зебру размером с блоху. Я любил технические аспекты акварели. Со временем я начал открывать для себя другие технические свойства и полюбил их еще больше. Акварель - это среда с большой универсальностью. Им можно управлять, чтобы создать хаотичные водные миры или высоко визуализированные и упорядоченные детали, которые я часто применяю к своей работе.
Сара Стрикли: Как вы уже упоминали ранее, вы можете рисовать в большем масштабе, если захотите. Что привлекает вас в миниатюре? В прошлом миниатюры служили напоминанием о доме путешественникам. Интересно, это та идея, из которой вы черпаете.
Грегори Халили: Я очарован тем, как миниатюры показывают различный опыт, в отличие от опыта просмотра некоторых крупномасштабных работ. Работы в небольших масштабах имеют физическую, а также психологическую близость, которую большие форматы не могут выявить. Его проявление позволяет зрителю внимательно изучить работу для технического процесса и задать вопросы, связанные со шкалой, относительно предмета. Если кто-то создает картину размером с рекламный щит, она становится невероятной. Но если кто-то создает картину в миниатюре, это в масштабе один к одному и на более интимном уровне. Мои миниатюры служат окном в мой интимный мир, напоминанием о моем прошлом и проблеском моей памяти.
Да, миниатюры служили подвесками и медальонами в 16 и 17 веках, когда путешественники отправлялись в новый мир. Это та же идея, из которой я создаю свое искусство - служить как напоминанием, так и замкнутым воспоминанием.
Сара Стрикли: Я упоминал о драматическом сдвиге в палитре между вашими различными коллекциями картин ранее. Что вдохновляет ваш выбор в этом отношении?
Грегори Халили: Я работаю над своими картинами как группой и сериями. Каждая серия начинается с одной картины или идеи, из которой выходит целое. Выбор моей палитры зависит от эмоций и перевода того, что я хочу вызвать. Мои нью-йоркские картины начались с одной фотографии, на которую я потратил годы, прежде чем на самом деле создал картину. Инкубационный период, необходимый для начала серии, был важным умственным процессом. Теперь я могу видеть - и, что более важно, чувствовать и переводить - изображение фотографии как старого, старинного произведения. Ограничение цветов на моей палитре для каждой картины - сознательное решение. Для моих новых картин Созвездия (см. Картины наверху) я поглощен ужасом вакуума и созданием замечательных деталей, напоминающих миниатюрную вселенную. Выбор палитры находится в противоположных крайностях - свет и тьма, как свет звезд и тьма космоса. Зритель может быть удивлен, обнаружив оттенки цветов в моих миниатюрах. Чем ближе вы смотрите, тем больше он находит.
Сара Стрикли: С чего начинаются картины?
Грегори Халили: Идеи для моего искусства основаны главным образом на внутреннем размышлении и опыте, основанном на старых фотографиях, путешествиях и набросках. Создание миниатюры - это короткий технический процесс. Это творческий процесс, который занимает больше времени, большую часть времени изучает, рисует и обдумывает работу.
Я чувствую себя очень счастливым, удачливым и смиренным, когда я нахожусь в ситуации, когда я могу проявлять творческий подход и ежедневно выполнять работу. Я глубоко чувствую, что художники в целом могут обогатить мир и поделиться созданной красотой. Каждый день я вижу свою работу как возможность быть страстным и творческим. Каждая миниатюра создана с терпением и спокойным размышлением.
Сара Стрикли: Вы можете передать невероятный уровень детализации в очень маленьком масштабе. Рискнувшись глупо, я пойду и спрошу вас: как вы это делаете?
Грегори Халили: С технической точки зрения, когда я рисую миниатюры, я использую ручную увеличительную линзу и акварельные кисти Колинского соболя, размером от 5 × 0 до № 4. Мои акварельные бумаги - это в основном арки горячего прессования. Каждая картина и предмет разные, поэтому каждый решается по-своему. Для более биоморфных форм, таких как портреты и бабочки, базовый рисунок создается в виде тонких охристых или желтых линий с использованием кисти 3 × 0. Для архитектурных деталей городских пейзажей Нью-Йорка я начну с точного рисования основы объекта очень острым карандашом. Первые стирки в основном на первых этапах, когда я создаю подложку. Остальные являются этапами контролируемой детализации и наложения цветов. Я определяю правильную консистенцию краски и воды, проверяя мазки кисти на другой бумаге, прежде чем наносить ее на фактическую иллюстрацию.
Управление акварелью в очень маленьком масштабе почти похоже на медитацию. Нужно быть очень спокойным. Даже небольшое дрожание может оказать влияние на создание точных линий.
Я в основном создаю акварели в слоях - часто в четыре или более слоев. И я часто почти полностью переделываю картину три-пять раз, прежде чем чувствую, что она закончена и насколько это возможно, не будучи чрезмерной. Каждая миниатюра заканчивается по-разному, не по времени, а по тому, как я себя чувствую, когда это делается. Как и многие художники, я чувствую, что картина никогда не будет завершена. Можно работать и переделывать кусок постоянно, в течение очень долгого времени, и полностью изменить его. Художник должен знать, когда работа сделана.
УЧИТЬ БОЛЬШЕ
- Посмотрите бесплатную демонстрацию акварели Грегори Халили.
- Читайте о акварели бабочки Григория Халили в журнале «Художник» за июль / август 2015 года.
- Откройте для себя полную серию ярких акварелей от Уоррена - готово для мгновенной загрузки!
БОЛЬШЕ РЕСУРСОВ ДЛЯ ХУДОЖНИКОВ
- Смотрите художественные мастерские по запросу на ArtistsNetwork. TV.
- Получите неограниченный доступ к более чем 100 учебникам по искусству.
- Онлайн семинары для художников
- Узнайте, как рисовать и как рисовать с загрузками, книгами, видео и многое другое из North Light Shop.
- Подпишитесь на Журнал Художника.
- Подпишитесь на новостную рассылку сети Artist и загрузите БЕСПЛАТНЫЙ выпуск The Artist's Magazine.