Художники, желающие работать с пастелью, могут изучить ценные приемы и советы, изучая художников, которые впервые изучили среду и обнаружили возможности, которые предлагает среда.
Наоми Экперигин
Хотя работы масляных художников и рисовальщиков хорошо известны и тщательно задокументированы, история пастели не была так хорошо записана. «Среда изначально использовалась в качестве исследования для более крупных работ и не предназначена для завершения идеи», - отмечает художник Ким Казебер. «До недавнего времени мы не видели, чтобы пастель воспринималась как достойная среда сама по себе». Хотя пастели не так популярны, как картины маслом, природа этой среды делает ее отличным выбором для тех, кто предпочитает мобильность. Пастельная окраска требует небольшой настройки, нет необходимости в растворителях, а также нет кистей для чистки. По этой причине многие художники пленэра работают в пастельных тонах, а многие портретисты 19-го века работали в пастельных тонах, чтобы ускорить исполнение.
Шесть друзей в Дьеппе Эдгар Дега, 1885, пастель, 45 x 28. Коллекция. Музей искусств, Школа дизайна Род-Айленда, Провиденс, Род-Айленд. |
La Toilette (Женщина расчесывает волосы) Эдгар Дега, ок. 1886, пастель на картоне, 21 х 20½. Собрание Эрмитажа, Санкт-Петербург, Россия. |
Эдгар Дега
Илер-Жермен-Эдгар Дега (1834-1917) был французским художником, скульптором, гравером и рисовальщиком, связанным с импрессионистским движением. Хотя его считают одним из основателей движения, он отверг лейбл и предпочел, чтобы его считали реалистом. В отличие от художников-импрессионистов, он не интересовался игрой света между формами и не поддерживал тенденцию импрессионистов к рисованию на пленэре. Однако его предмет был отчетливо импрессионистским, и его дружба с известными импрессионистами, такими как Мэри Кассат и Эдуард Мане, тесно связывала его с движением.
Чистые оттенки пастели, наряду с ее непосредственным применением, сделали ее идеальной средой для художников-импрессионистов, которые стремились работать быстро и уловить сущность своих предметов. Дега считается художником, наиболее ответственным за превращение пастели в основную среду. Когда он начал работать в пастели, они в основном использовались для портретов, и часто в качестве предшественников для завершения картины маслом. Дега, однако, создал большое количество готовых пастельных картин, из которых учились многие художники. «Старый мастер пастели, который сразу приходит на ум, - это Эдгар Дега», - говорит художник Лиз Хейвуд-Салливан, на которого большое влияние оказала его работа в качестве студента. «Его маркировка передает ощущение движения и интенциональности, но что меня больше всего привлекает в его работе, так это его динамичные композиции и необычные углы обзора. Один из моих любимых - «Шесть друзей в Дьеппе». Картина по сути является групповым портретом, но динамика композиции создает напряжение и интригу, которая заставляет зрителя задуматься о том, что происходит на самом деле. Позы не статичны, и видимые мазки пастели почти приводят картину в движение ».
Дега работал в пастели на протяжении всей своей карьеры, и в 1880 году он стал его основным средством. Художник часто комбинировал пастель с другими средами, такими как акварель, масло и монотипия, создавая богатые поверхности с различными качествами краски, нанесенными в сложные слои. «Изучение различных способов применения пастелей является особенно познавательным, - говорит художник Алан Флаттманн, который был введен в Зал славы Американского общества пастелей в 2006 году. - Иногда он смешивался для достижения деликатных эффектов, но в основном он применял пастели чистыми мазками разбитый цвет штриховкой и перекрытием широких живописных мазков. Он широко использовал фиксаторы для создания слоев пастели, а также не боялся экспериментировать с сочетанием пастели с другими средами для создания уникальных эффектов ».
Мать и дитя на зеленом фоне (материнство) Мэри Кассат, 1897, пастель на бежевой бумаге, смонтированная на холсте, 22 х 18. Коллекция Musée d'Orsay, Париж, Франция. |
Сонный Малыш Мэри Кассат, ок. 1910, пастель, 25½ x 20½. Коллекция музея искусств Далласа, Даллас, Техас. |
Мэри Кассат
Мэри Кассат (1844-1926) известна как одна из самых влиятельных художников американского искусства 20-го века. Кассатт, плодовитая художница и гравёр, родилась в Питтсбурге и начала обучение в Пенсильванской академии художеств. В 1865 году она обосновалась в Париже, где занялась частными занятиями с такими художниками, как Жан-Леон Жером и Томас Кутюр, и стала частью импрессионистского движения. Она подружилась с Эдгаром Дега, который вдохновил ее начать работать пастелью. Кассат перенял многие из своих приемов и вскоре начал производить большой объем работы в среде.
Кассат заработала себе на жизнь в качестве художника-портретиста и портретиста, а рисование портретов пастелью дало ей источник постоянного дохода, когда она жила в Париже. Для многих художников в то время пастель была предпочтительным выбором для портретной работы - особенно для портретов детей - потому что ими можно было манипулировать с большей скоростью и легкостью, без запаха и допускала частые перерывы. В 1880-х годах она начала считать семейную жизнь своим основным предметом и создала серию пастелей для детей со своими опекунами. В дополнение к тому, что она вызывала эмоции и делилась своими взглядами на отношения между матерью и ребенком, в этих пастельных картинах Кассатт продемонстрировала инновационную технику, которой могут научиться современные художники. «Я думаю, что Мэри Кассатт - великая художница, которая учится великолепному использованию пастельных мазков», - говорит Флаттманн. «Особенно интересно увидеть, как она могла ткать жирные линейные пастельные мазки по всем своим фигурам и портретам и при этом создавать твердые, убедительные и чувствительные формы». Это можно увидеть в книге «Мать и дитя на зеленом фоне» («Материнство»), в которой инсульты дают сцене ощущение жизненной силы и движения, а также связывают фон с матерью и ребенком.
Автопортрет Уильям Меррит Чейз, ок. 1884, пастель, 17х13, 5. Собрание Национальной галереи искусств, Вашингтон, округ Колумбия. |
Конец сезона Уильям Меррит Чейз, 1885, пастель, 13 x 17 ¾. Коллекция Mount Holyoke College Art Museum, Саут-Хэдли, Массачусетс. |
Уильям Меррит Чейз
Американский художник Уильям Мерритт Чейз (1849-1916) работал в различных средствах массовой информации, включая масло, пастель, акварель и травление. Тем не менее, именно его масляные портреты он известен больше всего. Его ситтеры варьировались от членов его собственной семьи до самых важных мужчин и женщин его дня. Обученный в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке и в Мюнхенской королевской академии в Германии, Чейз начал работать пастелью в конце 1870-х годов, так же как мюнхенский стиль, в котором он обучался, начал выходить из моды. Работа художника в пастели была, вероятно, вызвана его исследованием пленэрной живописи, поскольку он совершил поездку по различным частям Европы. Портативность пастели, а также богатство цвета и скорость, с которой можно наносить цвета, сделали его идеальным для работы на открытом воздухе и захвата света, которым так импонировали художники-импрессионисты.
В 1882 году он основал Общество американских художников в пастели, в которое вошли такие художники, как Джон Генри Твахтман, Чайлд Хассам и Роберт Рейд. Общество продлилось всего восемь лет и провело четыре выставки, но оно привлекло внимание к пастели и помогло ему завоевать уважение как медиум. Флаттманн отмечает в своей книге «Искусство пастельной живописи» («Пеликан паблишинг», Гретна, Луизиана), что Чейз был одним из самых влиятельных американских пастелистов. «Он использовал пастель со свежестью и жизненной силой, соперничая со вкусом любого европейского мастера», - говорит Флаттманн. «Некоторые из его пастелей были очень большими, до шести футов высотой и выполнены на холсте. Как и Дега, он часто намочил свою пастель и работал над своими произведениями с помощью кистей ». Художники-пастели могут многому научиться у Чейза, который в разной степени сочетал в своих пастельных рисунках чертёжные и живописные качества. В некоторых частях его рука как рисовальщика подчеркнута с видимыми ударами, которые привлекают внимание зрителя. Это можно увидеть в его Автопортрете, где блики на его лице не смешаны; вместо этого каждый удар выдвигается на первый план. Работа Чейза со временем развивалась, и он экспериментировал со средой, работая с ограниченной палитрой и применяя различные методы. Анализ пастельных рисунков Чейза показывает все возможности, предлагаемые этой средой не только в 19 веке, но и сегодня.
Жан-Батист Симеон Шарден (1699 - 1779)
Автопортрет в очках Жан-Симеон Шарден, 1771, пастель, 18 х 15. Коллекция Лувр, Париж, Франция. |
Автопортрет с тенями для век Жан-Симеон Шарден 1775, пастель, 18 х 15. Коллекция Лувр, Париж, Франция. |
Жан-Батист-Симеон Шарден (1699 - 1779) был мастером масляной живописи, который работал в традиционной реалистической манере и брал натюрморты в качестве своего основного предмета. Во многом самоучка, он находился под сильным влиянием мастеров Низкой Страны 17-го века, и подобно им, он посвятил себя простым предметам и общим темам. Работа Шардена имела мало общего с картиной рококо, которая доминировала во французском искусстве в 18 веке, и репутация художника пользовалась большим успехом после его смерти. В то время, когда историческая живопись считалась высшим из публичного искусства, простые картины Шардена из обычных предметов домашнего обихода, наряду с его сверхъестественной способностью изображать детскую невинность в непристойной манере, по-прежнему собирали художника благодарной аудиторией в свое время и объясняли его Вневременное обращение.
К концу своей карьеры Шарден начал работать в пастели, исследуя предметы вне натюрморта. Художник взялся за медиум, так как его зрение начало ухудшаться, что может объяснить его применение цвета в видимых мазках, а не в их смешивании. Он использовал блочные, простые формы, прекрасно организованные в пространстве, и его палитра состояла в основном из земляных тонов. Он был мастером текстур, форм и мягкого рассеяния света. В «Автопортрете с очками» его использование розовых и синих оттенков на голове и жакете демонстрирует его готовность играть с цветом и использовать его для создания интригующего настроения. Использование широких штрихов, показывающих руку художника на работе, знаменует собой конец гладкому смешиванию, которое предпочитают традиционные пастели, и показало более поздним художникам, в каких направлениях они могут идти со средой.
Жан Франсуа Милле
Полив лошадей, закат Жан-Франсуа Милле, 1866, пастель и черный карандаш Конте на тканой бумаге, 15 х 19. Коллекция Музея изобразительных искусств, Бостон, Массачусетс. |
Пастушка и ее стадо Жан-Франсуа Милле, 1862, черный мел и пастель, 14 5/16 x 18 11/16. Коллекция музея Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес, Калифорния. |
Французский художник Жан-Франсуа Милле (1814-1875), родившийся в семье фермеров, больше всего интересовался живописью повседневной жизни крестьянства. Его ранняя работа состояла из портретов и пасторальных сцен, но это картина Глинерс, для которой он известен больше всего. На картине изображены две женщины, собирающие остатки урожая, наклоняясь низко, чтобы собрать так мало. Собирать то, что осталось от урожая, считалось одной из самых низкооплачиваемых работ в обществе, однако Миллет предложил этим женщинам героический фокус картины; свет освещает женские плечи, когда они выполняют свою работу. В то время как его критиковали за представление социалистических наклонностей в его работе, его картины появлялись в парижском Салоне год за годом.
По мере того как его популярность росла в 1860-х годах, Милле постоянно получал комиссионные, а в 1865 году покровитель начал заказывать пастели. С 1865-1869 гг. Он писал почти исключительно пастелью для коллекции, которая в конечном итоге включала бы 90 работ. С этой коллекцией Миллетт исследовал возможности и границы среды. «Он был одним из первых, кто действительно рисовал со средой и использовал прерывистые цветовые штрихи, вместо того чтобы смешивать цвета, как это делали многие ранние пастелисты», - говорит Флаттманн. Многие из его более поздних картин - пейзажи, человеческая фигура полностью отсутствует. Когда он стал старше, художник предпочитал более простые, более прямые процессы, такие как использование графита или пастели, а не рисование. Вместо тяжелой темной окраски многих своих картин крестьянской жизни Миллет часто пропускал тонированную бумагу и экономно использовал свой цвет в своих пастелях, выдвигая на передний план свое мастерство рисования.