Многие из великих учителей, которые обучали Дэниела Грейвса, были показаны в «Американском художнике» в 1970-х годах, в то время как он и его ученики были представлены в более свежих выпусках. Поскольку журнал отмечает свое 70-летие, мы изучаем академическое художественное образование, которое Грэйвз посвятил сохранению части своей карьеры.
М. Стивен Доэрти
Жених 2005, масло, 48 х 32. Courtesy Grenning Gallery, Саг Харбор, Нью-Йорк. |
Многие из важных реалистов 20-го века были представлены в «Американском художнике», и эти художественные статьи оказали сильное влияние на художников, жаждущих информации, которая могла бы информировать и инструктировать их творческие усилия. Дэниелу Грейвсу повезло учиться у нескольких таких влиятельных художников, включая Джозефа Шеппарда, Фрэнка Рассела, Ричарда Серрина, Ричарда Лака, Пьетро Аннигони и Нерину Сими; и он был профилирован в декабрьской обложке 1988 года. С тех пор Грэйвс продолжал проходить большое обучение, которое он получил, новым поколениям художников, и в журнале были представлены его бывшие ученики, некоторые из которых сейчас преподают в Соединенных Штатах и Европе.
Поскольку Грэйвс является одним из важных звеньев между прошлым и настоящим, мы считаем целесообразным еще раз посетить его в этот юбилейный год. К счастью, он много писал о текущем состоянии изобразительного искусства, своем собственном опыте и миссии, которая продолжает вести его как художника и учителя. Ниже приводится выдержка из эссе, написанного Грейвсом, который помогает объяснить традиции, которые он продолжает, и методологию, которую он использует, чтобы соединить новые поколения художников с этой традицией.
Посвятив большую часть своей жизни, как художника и учителя, изобразительному искусству, мне очень приятно видеть, что все больше людей находят более традиционно представленные изображения, значимые для них. Я имею в виду традицию гуманистического духа в западном искусстве.
Выставка работ Могил будет быть на виду у Элеоноры Галерея Эттингер, в Нью-Йорке, начало 8 марта 2007 г. Для получения дополнительной информации о могилах, посетите его сайт по адресу www.danielgraves.com. Читать полный текст его эссе или узнать больше о Флорентийская академия искусств, посетите веб-сайт школы по адресу www.florenceacademyofart.com. Для списка других художественных школ поддерживая традицию, которую описывает Грейвс, посетите веб-сайт Центра художественного обновления. |
Когда я начал учиться в 1968 году у Джозефа Шеппарда и Фрэнка Рассела в Колледже искусств Института Мэриленда в Балтиморе, большинство, если не все, достойных традиций художественного образования были связаны с ателье 19-го века в Европе. Информация, полученная студентами, передавалась со времен Ренессанса, сначала через отдельных художников, которые брали учеников, а затем через академии, чья функция состояла в том, чтобы обучать художников и поддерживать традицию мастерства. Поскольку в Соединенных Штатах было немного таких учреждений, большинство американских художников ездили в эти европейские ателье, чтобы изучить принципы и методы, важные для их профессии.
Некоторые из американцев, пытающихся подражать европейским академиям, такие как Р. Х. Ивс Гаммелл и Ричард Лэк, открыли свои собственные академии. Гаммелл обучил Лака в своем бостонском ателье, а затем Лэк открыл «Ателье Лекала» (теперь Ателье) в Миннеаполисе, которое продолжает действовать под руководством его учеников. Другие ателье, в прошлом и настоящем, со связями с Гаммеллом или одним из его учеников, включают в себя постановки Аллана Бэнкса, Чарльза Сесила, Джеймса Чайлдса, Роберта Кормье, Стивена Джертсона, Гари Хоффмана, Дона Кестнера, Роберта Дугласа Хантера, Ричарда Уитни, Андреа Смит, Райан С. Браун и Джульетта Аристидес.
Мое собственное желание быть связанным с традицией в то время, когда она перестала быть цельной, когда считалось, что она хочет это сделать, и когда ее язык забывают, - вот что привело меня во Флоренцию в 1978 году. В отсутствие, я решил открыть художественную школу с Сесилом в 1982 году (которая продолжала до 1990 года как студия Сесил-Грейвс), а затем я основал Флорентийскую академию искусств в 1991 году, и я продолжаю служить ее директором. Моей целью было объединить учение Лэка с учителями других художников / учителей, которые сильно повлияли на меня. Эта образовательная программа и традиции, на которых она основана, привели сотни студентов во Флорентийскую академию искусств, некоторые из которых впоследствии основали свои собственные ателье.
Автопортрет 2005, нефть, 15 3/4 x 19 3/4. Частная коллекция. |
Сказать, что мы все работаем в этой академической традиции, не значит, что наши предмет и художественные интересы совпадают. Как я надеюсь, это видно из рисунков и картин, созданных художниками, которых я только что упомянул, и их учениками, каждый из нас пытается создать уникальное произведение, основанное на его или ее индивидуальном художественном пути. Однако все мы говорим с одним и тем же визуальным «языком». То есть мы все выучили, насколько мы можем, язык традиции, который мы используем для выражения наших видений. Мне нравится верить, что наша миссия состоит в том, чтобы соединить фрагменты гуманистической традиции, чтобы мы могли внести осмысленные образы, которые вдохновят будущие поколения.
Моя ранняя погоня за традицией
Мой собственный художественный путь, как я уже объяснил, начался в Колледже искусств Института Мэриленда и продолжился во Флоренции на вилле Скифанойя, где я познакомился с Ричардом Серрином, который оказал большое влияние на мою жизнь. Он научил меня «читать» картину, открывая тем самым дверь, которая имеет решающее значение для развития глубокого и постоянного диалога с прошлыми мастерами. Он продемонстрировал глубокое техническое понимание Рембрандта и живописи 17-го века, но, что не менее важно, он «общался» с миром живописи и говорил со мной о значении увиденного.
Исследователь 2003, масло, 35½ x 27½. Все произведения этой коллекции художник, если не указано иное. |
Позже я отправился в Миннеаполис с Серрином, чтобы помочь ему с проектом росписи, и именно там я встретил Ричарда Лака, с которым я учился почти год. От нехватки я узнал многие академические традиции Бостонской школы, которые были переданы ему Гаммеллом, и метод рисования и рисования размером с прицел, который использовался многими художниками-портретистами 19-го века, включая Джона Певица Сарджент. Затем я вернулся во Флоренцию и учился у Нерины Сими, или «Синьорины Сими», как мы ее называли. Дочь Филадельфо Сими - флорентийского художника в стиле Маккиайоли, который учился у Жана-Леона Жерома - Синьорина Сими сохранила мастерскую своего отца после его смерти в 1923 году до ее собственной в 1987 году в возрасте 97 лет. Я вернулась во Флоренцию учиться у нее, потому что у работы, выходящей из ее студии, были сильные стороны, которые я хотел приобрести.
И Лак, и Сими предложили мне Жером связь, которая была для меня значимой. Отсутствие унаследовало его через родословную Гаммелла, в то время как синьорина Сими подбирала ее благодаря работе в студии с ее отцом. Оба возвращаясь к Жерому, у них было много общего в том, чему они учили, но также было немало различий.
Италия - с ее музеями, церквями и природной красотой, а также как место, где искусство традиционно процветало - всегда была магнитом для художников. Присутствие Синьорины Сими и Пьетро Аннигони во Флоренции привлекло многих молодых художников (включая меня), которые искали потертые нити реалистической традиции. Мы отчаянно хотели почувствовать связь с традицией, и казалось, что больше нигде не работали художники, как это было в прошлом, с вниманием к ремеслу даже на самом базовом материальном уровне. Во Флоренции человек называл себя не художником, а художником; и когда один заслужил уважение других, как Аннигони, ему дали титул "маэстро"? Эти вещи заставили нас почувствовать, что живопись была благородной профессией, глубоко укоренившейся в ремесле, культуре и обществе. Некоторые из тех, кто приехал, остались на несколько месяцев; другие, как я, остались, потому что Флоренция пленила их своей красотой и культурой.
Hans 2005, масло, 27½ x 23¾. |
Хотя я не учился у Аннигони, который умер в 1988 году в возрасте 78 лет, я познакомился с ним довольно хорошо. Он был, как некоторые его называли, «патриархом реализма»? Устанавливая стандарт для рисования, он дал нам надежду, потому что он мог рисовать и рисовать, как художники в предыдущие века.
Я посещал его мастерскую много раз, чтобы показать ему свои картины; он всегда был воодушевляющим, но никогда не восхвалял. Не много для разговоров, он любил обсуждать более глубокие смыслы жизни. Конечно, искусство всегда было в центре наших дискуссий. Когда я уходил из студии после посещения с ним, он всегда поддерживал меня. "Buon Lavoro. Forza e Coraggio"? («Работай усердно. Сила и храбрость»), сказал бы он тоном, я полагаю, римского воина.
Методика преподавания во Флорентийской академии художеств
«В школе изобразительных искусств обязан преподавать только неоспоримые истины или, по крайней мере, те, которые опираются на лучшие образцы, принятые веками». Слова Х. Фландрина, напечатанные в нашей брошюре, наиболее близки к формулированию миссии во Флорентийской академии художеств. С Фландрином - и многими другими, которых мы могли бы процитировать, - в качестве наших гидов мы учим ремеслу работать в реалистической традиции, подобной тому, как это учили в ателье Западной Европы 19-го века - не обязательно, чтобы производить работу 19-го века, но Как я упоминал ранее, потому что наша самая прямая связь с традиционными ценностями и учениями прошлого, которые, как известно, создавали художников профессионального уровня в реалистической традиции, осуществляется через эти студии. Поскольку я собрал кусочки традиции у многих разных людей, то, что мы преподаем во Флорентийской Академии художеств, представляет собой смесь того, что я получил от многих из тех, кого я упомянул ранее, и интерпретировал их по-своему.
Исследование облака 2006, масло, 35½ x 51¼. |
Рассматривая систему обучения в качестве модели ателье, Флорентийская академия искусств отличается от большинства других художественных школ, где студенты посещают различные классы и часто обучаются многими людьми. Когда студенты входят в двери Академии Флоренции, им предоставляется место в студии, и они начинают работать в постоянном ритме, который будет оставаться неизменным на протяжении всего учебного года. Призывая их стать, как сказал Джон Констебл, «терпеливым учеником природы», половину дня проводят, работая над фигурой, а другую половину дня в своих студиях, выполняя конкретные упражнения. Мы демистифицируем обучение художника и разбиваем чрезвычайно сложную задачу обучения рисованию, рисованию и лепке из жизни на постепенные шаги. В самых общих чертах студенты проводят свои дни, пытаясь увидеть и записать именно то, что перед ними, потому что, как сказал Леонардо, «художник будет создавать картины малой заслуги, если он примет работы других в качестве своего стандарта; но если он будет применять себя, чтобы учиться у объектов природы, он даст хорошие результаты.
Однако сделать это нелегко: пошаговое продвижение по школьной программе, от обучения точному рисованию до обучения использованию точных цветовых значений в масле, или, для студентов-скульпторов, обучение правильной структуре в глина - обычно занимает от четырех до пяти лет. За редким исключением, студенты фокусируются исключительно на рисовании своего первого года обучения. Как только они обрели уверенность в своей способности быть точным, их просят развить, чтобы стать художником, глубокое понимание градаций ценности - отсюда и использование древесного угля, диапазон которого делает его эффективной средой для исследования света. и темно. Учащиеся среднего звена получают прочную основу для рисования, как графитом, так и углем, и, как правило, к началу второго курса они начинают рисовать углем и белым мелом на тонированной бумаге, что на шаг ближе к живописи. Литые рисунки учеников начинают выглядеть как настоящие слепки, а рисунки их фигур имеют вес и баланс живого человека. С этими навыками рисования хорошо, первые проекты живописи назначены.
Этюд для подарка 2006, древесный уголь и белый мел, 53½ x 47½. |
Получение контроля над этой новой средой требует времени и опыта, и, как и в случае с рисованием, мы продвигаемся шаг за шагом. Мы смягчаем переход от рисования, начиная студентов с рисования en grisaille, то есть с рисования серым цветом. Это дает студентам возможность ознакомиться с использованием краски для изучения ценностей без дополнительной сложности цвета. Только несколько проектов дается en grisaille (обычно два броска и одна пятинедельная живопись рисунка) прежде, чем назначен проект в ограниченном цвете. Мы начинаем студентов с трех цветов, не считая белого: желтой охры, английского, красного и черного. Это самая традиционная и базовая палитра, какая только есть - студенты начинали с нее веками, и многие великие художники, такие как Тициан, как полагают, использовали ее для создания некоторых из своих лучших работ. После того, как студенты раскрыли потенциал этих основных цветов, добавляются другие по мере необходимости: желтый Неаполь, киноварь, синий кобальт и т. Д.
Студентам третьего курса дается время для усвоения и отработки материала, предоставленного им на втором курсе, наряду с большей степенью сложности предмета. Портретная живопись вводится сначала в рисунок, затем в живопись. Многие студенты начинают проявлять склонность к определенным предметам и могут начать тратить больше времени на развитие своих навыков в той области, которая их больше всего очаровывает.
К четвертому курсу студенты освоили рисование в двух средах и знакомы с методами и материалами масляной живописи, последняя столь же важна в исследованиях живописца, как и первая. Настало время усовершенствовать навыки, выявить и устранить сохраняющиеся недостатки и начать испытывать технические знания. Одна из самых полезных политик, которые мы ввели за последние 10 лет, - это последняя критика. В конце каждого триместра студенты по отдельности приносят всю работу, которую они выполнили, своим собравшимся учителям. Цель критического анализа состоит в том, чтобы дать студентам знать, если они находятся на курсе, дать им четкое представление о том, в чем мы ощущаем их сильные и слабые стороны, и дать им индивидуальные предложения о том, как улучшить свои навыки. Им присваивается оценка «пройдено / не пройдено» в зависимости от их успеваемости по пяти различным категориям: прогресс, производительность, отношение, усилие и посещаемость.
Я подозреваю, что для некоторых студентов дни иногда кажутся медленными и утомительными, но когда они уезжают, проведя здесь несколько лет, они знают, как выполнить процедуру, которая работает. Каждое искусство связано с контролем: если вы не можете следовать определенным движениям балета, вы не можете танцевать балет; Вы не можете играть классическую музыку, если у вас нет контроля над всеми гаммами и аппликатурой. Вы не можете рисовать и лепить традиционным способом, если вы не изучили необходимые принципы и методы, такие как движение, жест и пропорции.
Этюд для подарка 2006, уголь и белый мел, 52¼ х 50. |
Обычно есть два типа учеников: те, у кого, кажется, есть особый дар видеть и затем быстро и плавно переводить из трех измерений в два, и те, кто борется за каждый новый навык, который они приобретают. Оба делают отличных художников и скульпторов, а также отличных учителей по разным причинам. Первые часто являются примером для подражания; они быстро воспринимают ошибки студентов и причины, по которым они их совершили. С другой стороны, те, кто боролись, прекрасно понимают трудности; они служат примером прогресса и могут сочувствовать разочарованию тех, кто борется.
Что, похоже, характерно для тех, кто успешен, кто выживает, так это их страсть и трудолюбие. Я верю, что любой может достичь успеха, независимо от его или ее уровня таланта, если он или она полностью страстный, вовлеченный и усердный. Как сказал Микеланджело: «Если бы люди знали, как тяжело я работаю, им бы не понравилось то, что я делаю»?
Личное заявление
Хотя фрагменты традиции были сохранены и переданы, я беспокоюсь о текущем состоянии этой совокупности знаний, что является одной из причин, по которой я посвятил часть своего времени на протяжении многих лет преподаванию. Разрабатывая программу во Флорентийской академии искусств, я решил подчеркнуть те аспекты традиции, которые казались мне жизненно важными. При этом я не хотел манипулировать этой традицией, чтобы она соответствовала моему личному видению, а укреплял ее, опирался на нее и давал поколению студентов необходимые инструменты, чтобы посвятить себя тому, что я считаю одним из величайших и самые сложные профессии из всех: создание образов, обладающих эмоциональным резонансом и техническими навыками, которые в своей правдивости и красоте передают идеи, имеющие большое значение. С этой целью, как я упоминал ранее, я смешал то, что я узнал от влиятельных художников / учителей, с которыми я познакомился в ходе своего обучения. Я обязательно по-своему истолковал их учение, соединив кусочки, как мне показалось, наиболее правильным. В духе передачи студентам того, что является «чистым»? или «истинно»? - то есть, чтобы убедиться, что мы учим принципам, а не навязываем стили, манеры или приемы, - мы фокусируемся на практических занятиях ремеслом в школе.
Подарок 2006, масло, каждая панель 51½ x 53½. |
Чтобы выучить эти классические техники рисования, рисования и лепки, нужно знать язык, чтобы они могли «говорить» так, чтобы их понимали. Я хочу передать этот язык студентам не для того, чтобы они потом шли в свои студии и создавали работы, которые являются имитацией прошлого, но чтобы они могли отправляться в мир и создавать произведения искусства на языке, который давно использовался художниками, и это давно поняли люди всех уровней общества - будь то художники или кто-то еще. Несмотря на все сказанное, я больше всего осознаю, что эта традиция намного превосходит сумму всех элементов ремесла. Мы действительно стоим на плечах гигантов.
Джон Раскин отметил, что за нами стоят поколения людей, которые помогают нам создавать произведения искусства. Я хотел бы добавить, что эти поколения художников подняли техническое и психологическое значение живописи до такого высокого уровня, что любой, кто принимает эстафету, сталкивается с самой жесткой конкуренцией. «Почему мы не можем производить Леонардос сегодня?»? можно спросить. Я не верю, что это только потому, что нам не хватает технических знаний и опыта. Я верю, что это потому, что есть что-то помимо техники, которая также является частью традиции. Я надеюсь, что, имея школу во Флоренции, открывая ученикам ее великие шедевры и культуру, они смогут лучше понять суть традиции, что у них будет больше, чем просто техника, чтобы мотивировать их.