Нью-йоркский художник Трэвис Шлахт ищет и находит неотразимую красоту во многих уголках жизни. Затем, используя сдержанную, но мощную палитру, он отражает ее на холсте.
Джеймс А. Меткалф
Бар II 2005, масло на белье, 26 х 36. Все произведения этой статьи частные Коллекция, если не указано иное. |
У Трэвиса Шлахта есть простая, но определенная философия в живописи: «Художник должен вдохновлять», заявляет уроженец Калифорнии. «Я не согласен с идеей, что художник должен бросать вызов или шокировать зрителя, или указывать на безобразие сатирой. Художники всегда могут вдохновить, хотя бы с помощью иллюстрации, какой прекрасной может быть визуальная жизнь ». Чтобы достичь этого, Шлахт, который признается, что на него оказали сильное влияние художники 19-го века, просто рисует сцены и предметы, которые он находит красивыми и убедительный.
При рассмотрении натюрморта художник выбирает объекты, к которым он либо притягивается эстетически, либо чувствует себя каким-то образом связанным. «Это может быть из-за текстуры, цвета, формы или того, как свет отражается или проходит сквозь него, что побуждает меня рисовать», - говорит художник. Например, в баре II Шлахт хотел уловить разные, но гармоничные аспекты установки. «У каждой бутылки была своя эстетическая привлекательность», - объясняет он. «Форма и цвет жидкости в каждой из них напрямую зависели от того, что было за ней, и я нашел это визуально захватывающим. Я должен увидеть что-то интересное, если я надеюсь сделать интересную картину ».
Красный грузовик 2004, масло на льне, 8 х 10. |
Шлахт считает, что художники отличаются друг от друга своими личными реакциями на объекты, места и людей. «Не важно, как картина закончена или кто ее нарисовал, скорее, может ли конкретное изображение резонировать со зрителем», - подчеркивает он. «Десять человек могут изучать и рисовать один и тот же предмет, но картины будут сильно различаться в зависимости от эмоциональной реакции художников на их предмет». И хотя Шлахт считает, что важно вызывать отклик у зрителя, он никогда не хочет поручать то, что этот ответ должен быть. «Если зритель не может определить, какой объект я нарисовал, то, возможно, мне это не удалось. Но как зрители относятся к этому, зависит от них. Я только надеюсь, что они будут иметь честный ответ на предмет, а также на то, как оно написано ».
Шлахт обеспечивает честный ответ на свои картины, начиная с честного подхода. Говоря о своих пейзажных работах на пленэре, художник говорит: «Это попытка уловить всю полноту того, где я нахожусь. Я часами просто смотрю и исследую то, что передо мной, не говоря уже о поглощении бесчисленных звуков и запахов, уникальных для этого конкретного места ». Поскольку Шлахт рисует только с натуры, он также знаком с препятствиями, которые создает пленэрная живопись. Как и многие художники, он считает, что «самая трудная задача - попытаться уловить атмосферу, глубину, масштаб и величие, сохраняя цвет и линейную перспективу, одновременно борясь с элементами», - говорит он, добавляя, «и делать все это». менее чем за четыре часа, прежде чем свет полностью изменится.
Deer Isle Inlet 2005, масло на белье, 17 х 24. |
«Поскольку воздух уменьшает значения и цветовые диапазоны, - объясняет он, - чем больше воздуха и атмосферы между вами и объектом, тем меньше цветность цвета и становится меньше диапазон значений (свет становится менее светлым, а темнота становится менее темной). Например, в Dele Isle Inlet я пытался создать атмосферу с цветом, сделав деревья на дальнем фоне менее цветными, а деревья на склоне холма - менее зелеными, в результате чего у этих деревьев был такой небольшой диапазон значений, что отдельные деревья неразличимы. Также обратите внимание на края или их отсутствие, где склон холма встречается с небом. Они намного мягче и менее четкие, чем камни на склоне утеса на переднем плане ».
Шлахт также попытался изобразить сильное чувство атмосферы в Red Truck. «Грузовик на переднем плане имеет как высокую цветность, так и широкий диапазон значений, - объясняет он, - в то время как дерево на заднем плане окрашено в приглушенные оттенки зеленого и имеет узкий диапазон значений». Рисуя этот контраст, Шлахт обратил внимание к его предмету и вызывал чувство определенного места в определенное время. «Я не ставлю себе целью рисовать настроение», - утверждает художник. «Но рисование под воздействием атмосферы само по себе создает настроение». Он верит, как зритель реагирует на предмет, или световой эффект также определяет настроение картины. «Настроение - это забавно», - говорит он. «Я не могу и не хочу контролировать настроение зрителя. Например, в Bread and Butter некоторые зрители могут смотреть на мышь и иметь отрицательный ответ. Для них мышь может представлять грязь и разложение или вторжение природы в образ жизни человека. Другие могут воспринимать это как оптимистичный образ, в котором потребности маленького парня [мыши] наконец удовлетворяются в изобилии. Я создаю образ; интерпретация зрителя задает настроение ».
Материалы Шлахта Шлахт считает, что знание его материалов необходимо. «Это позволяет мне более эффективно концентрироваться на внешности картины», - говорит он. Его холст - портретное белье Claessens. «Это не слишком гладко, и толщина плетения не слишком отвлекает», - говорит он. С точки зрения краски, наиболее важными факторами, которые он рассматривает, являются последовательность и то, достаточно ли краски податлива, чтобы он отказался от использования среды. Его предпочтительными красками, в зависимости от конкретного цвета, являются краски Старой Голландии, Шминке-Муссини, Рембрандта и Гамблина. В основном он использует мягкие синтетические кисти Winsor & Newton. Он предпочитает английский дистиллированный скипидар нетоксичным разбавителям без запаха из-за его прочности и скорости испарения. |
Белый сарай 2005, масло на белье, 8 х 10. Предоставлено Галерея Джона Пенс, Сан - Франциско, Калифорния. |
Независимо от предмета, настоящей страстью Шлахта является акт живописи. Художник легко тратит до 14 часов в день на живопись в своей студии и часто сначала решает все вопросы рисования на бумаге. «Я трачу значительное количество времени на разработку дизайна картины», - говорит он. «Когда я, наконец, доволен композицией, я начну рисовать, как правило, с подгоревшего янтаря на тонированном холсте. Однако, работая над фигурой, я сначала сделаю рисунок из графита, а затем перенесу его на холст.
«Работая над рисунком, я помещаю вещи в нужное место и получаю правильные пропорции человека или объекта», - продолжает художник. «Например, в Валентине я не занимаюсь рисованием каждой части глаза субъекта; Меня больше волнует определение расстояний и отношений между глазами, носом и ртом. Рисунок имеет решающее значение, потому что после того, как я начинаю, картина редко отклоняется от своего первоначального вида ».
Хлеб и масло 2005, масло на белье, 11 х 15. Предоставлено Галерея Джона Пенс, Сан - Франциско, Калифорния. |
Чаще всего Шлахт рисует один объект до завершения - обычно самый интересный или тот, у которого диапазон наибольшего значения - и затем связывает все остальное в картине с этим исходным объектом. Однако он дает себе возможность проявить гибкость и не обязательно против перемещения или добавления элемента, если это приведет к лучшей композиции. И хотя он считает себя верным своему предмету, он признает, что он не «рабски правдив». «Я не склонен рисовать каждую деталь, и меня часто больше интересует воспоминание о мазке, чем о представляя каждый последний нюанс объекта », - признается он.
С точки зрения своего выбора цвета, Schlaht использует сдержанные тона, чтобы гарантировать, что, когда он действительно использует интенсивный цвет, это оказывает значительное влияние. «Я использую чистый цвет только для акцентов; в остальной части картины я обычно использую приглушенные тона », - объясняет он. Например, две бутылки в баре II имеют ярко-красные восковые крышки. «Чтобы сделать воск насыщенным красным, я использовал чистый красный только в самой яркой части верха. Среднее значение было красным, смешанным с немного сгоревшего янтаря, чтобы понизить его значение. Если бы я только использовал белый, чтобы придать верхнюю форму, воск выглядел бы розовым и вымытым », - говорит он.
Ожидание 2004, масло на белье, 14 х 22. |
Его палитра состоит примерно из 24 цветов. «Не то чтобы я думал, что важно иметь столько цветов; это только то, что я накопил », - говорит Шлахт. Он считает полезным использовать одни и те же цвета в том же порядке всякий раз, когда он рисует. «Таким образом, - говорит он, - вы всегда знаете, где находятся нужные вам цвета, и вы не тратите время на поиск подходящего». У некоторых художников есть палитра для пейзажа и другой набор цветов для фигуры, и они постоянно прибавляют или вычитают в зависимости от предмета, который они рисуют. Это слишком запутанно для меня. Я стараюсь сделать вещи максимально простыми; акт рисования достаточно сложно! »
Автопортрет в студии 2005, масло на белье, 20 х 24. |
Валентин 2005, бумага, масло, 10 х 10. |
Уотер-стрит 2002, масло на белье, 14 х 22. |